Com es tocava aquest violí barroc? Hi ha pintures originals de l'època i s'han conservat recomanacions de mestres contemporanis, com ara Tartini, Geminiani i Leopold Mozart. Atenent als mateixos podem confiar que instrument i arc mostraran per si mateixos els següents passos a donar. El violí era sostingut indistintament recolzant sobre el pit, la clavícula o l' espatlla i, en aquest últim cas, el mentó podia descansar sobre el cordal o sobre la tapa, a la dreta del cordal, encara que tot fa suposar que preferien sostenir l'instrument només amb la mà esquerra, molt probablement per a no opacar el seu so. Les mentoneres per recolzar la barbeta no van ser introduïdes fins al segle XIX. Per aquesta raó, es feien servir més sovint les primeres posicions -és la part més ressonant de l'instrument-tocant les cordes en manera transversal, i canviant d'una a una altra per obtenir els sons més aguts. Aquest tipus de manipulació incloïa el estendres sobre la corda més aguda o córrer per petits passos-amb facilitat cap a amunt i una mica més dificultosament cap avall-avançant el polze i seguint-lo amb els altres dits en un moviment que recorda la forma d'avançar del cranc. L'arc era sostingut lleugerament balancejat sobre una zona que anava des de la celleta fins a uns 5 o 8 centímetres més amunt d'aquesta (les pintures de l'època mostren una enorme diversitat en aquest sentit), i estava suspès sobre les cordes amb el colze penjant fluixa, ja que encara no era necessari exercir una pressió més gran. Qui intentin manejar un arc barroc, ha d'oblidar les modernes tècniques d'ensenyament que divideixen l'arc en una part inferior, una altra mitjana i una superior; l'arc barroc només té la part mitjana estenent cap a un i altre costat. De tota manera, el començament de l'arc és variable ja que, moltes vegades, hi ha diversos centímetres rere dels dits: "... els millors executants no malgasten l'arc i el fan servir en la seva totalitat, des de la punta fins a la part de baix, i encara més enllà dels dits ... " (Geminiani, 1751).
Tots els teòrics posen èmfasi en que el so del violí ha de ser sempre bonic i que mai ha de atacar una nota amb duresa. "El primer exercici ha de ser la manera de sostenir l'arc, balancejat i recolzant lleugera però fermament sobre les cordes, de tal manera que sembli respirar en el primer so que produeixi; aquest so ha de provenir fonamentalment de la fricció sobre la corda i no de percudida com si es donés un cop de martell sobre ella. Per aconseguir-ho, cal començar per donar suport suaument l'arc sobre la corda i després pressionar amb delicadesa ja que si això es fa en forma sobtada podria resultar massa violent. Un cop aconseguit que el so sorgeixi amb suavitat, es podrà llavors fer-lo més violent o endurir sense gaire risc "(Tartini, 1760).
"Cada so, encara el més fort atac, té suavitat en el començament del moviment de l'arc-encara que això sigui pràcticament inaudible-, de no fer-ho així, en lloc de so s'obtindrà un soroll inintel.ligible i desagradable. La mateixa suavitat haurà d'escoltar-se al final de cada cop d'arc "(Leopold Mozart, 1756).
Fins i tot sense lligar dues notes, hi ha una quasi infinita varietat de cops d'arc i inflexions a disposició de l'executant. El seu arc ha de "parlar", ara festejant, ara animant o tranquil · litzant al seu oient.
"Ha de saber-se com distribuir l'arc per denotar tant debilitat com a força, i per tant com, mitjançant la pressió i la relaxació, produir notes bella i commovedora "(Leopold Mozart).
El violí és, en veritat, el més romàntic dels instruments.
El fraseig de la música antiga polifònica segueix l'ascens i descens natural del fraseig vocal sense considerar la barra de compàs; les notes llargues es toquen expressivament i les curtes, amablement, amb moviment de dits i canell. Els violinistes professionals de la tall, en acompanyar les danses i els entreteniments utilitzaven un estil més animat. A França, on es feien servir arcs més curts, es tocava d'una manera més marcada donant més èmfasi a l'fraseig per ajudar els ballarins a mantenir el ritme: cops d'arc descendents a la barra de compàs i accentuant els segons temps en les zarabanda i chacones. Els fogosos i marcats ritmes punteigs, característics de Lully, eren subratllats per l'arc i s'executaven portant-lo a les notes amb punt i tocant les recolzament sobre el temps. Aquesta seria més tard la característica principal de l'obertura francesa, una tàctica per atreure l'atenció del públic gal, sorollós i parlador. Molt diferent l' cantabile estil instrumental de la Canzona italiana, al qual es feia palès el bell so dels seus meravellosos instruments italians. Quan Haendel va dirigir una de les seves obertures a Roma, retreure al concertino-el mateix Corelli-la seva falta de vigor, i aquest replicar amb honestedat: "Caro Sassone, questa musica i nella stile francese, di ch'io non m'intendo ".
A Itàlia, els ritmes irregulars s'executaven amb més suavitat, a la manera de les gigues, sense aixecar necessàriament l'arc. En lloc del dinamisme de l'estil francès era necessari allà una major fluïdesa de l'arc per evitar els falsos accents. En una figura puntetes que es repeteix, la suavitat pot obtenir baixant el colze abans del final del cop ascendent i, de forma similar, aixecant-abans de la finalització del cop descendent, és a dir, anticipant el moviment propi de l'arc. En veritat, la habilitat per tocar sense falsos accents és una part important de la tècnica d'execució d'un instrumentista.
L'articulació està dictada per l'instrument mateix. Així un òrgan s'allargarà o escurçarà els espais entre notes demorant la següent o robant-li a l'anterior. Un instrument de vent pot, així mateix, atacar la nota amb més o menys volum. Un violí barroc pot fer ús de la ressonància [1] dels seus harmònics per allargar una nota, de manera que resulta difícil distingir el final de la nota de la seva ressonància [1] (Qui podria determinar la longitud de semblant nota?). Sovint, en la música barroca es troben accents sobre certes notes (com dagues); aquests denoten articulació, però no necessàriament durada, i si aquestes notes són tocades amb cops d'arc decidits i ressonants, poden accentuar la música com amb un signe d'admiració i atraure d'aquesta manera l'atenció de l'oient. En passatges més tranquils, l'executant pot sostenir la nota amb un fil de so, en imitació de la veu humana, o deixar córrer el so mitjançant la ressonància del cop d'arc, de la mateixa manera que un cantant entonant a boca chiusa. La propera nota pot atacar imperceptiblement, després d'un silenci breu o amb la consonant més lleugera. Alternativament, l'executant pot articular com un òrgan, sostenint un so ferma a través de la durada de tota la nota, deixant-lo anar gairebé al final. En realitat hi ha tanta varietat com ho permetin la imaginació i habilitat de l'instrumentista.
L'arc creat per Tourte és un mitjà una mica maldestre de manejar amb referència a la música antiga. Professors i concertinos gasten considerables quantitats de temps en rearreglar arcs a causa de la dificultat d'efectuar amb aquest arc més pesat ia causa de la tendència, heretada del segle passat, d'ignorar el fraseig intern en favor de la línia llarga. La conseqüència d'això és que es resta èmfasi i claredat no només als ritmes amb punt, sinó també a aquests difícils grups bachiano on es donen 3 o 5 notes en un arc i una separada, destruint la vitalitat del fraseig intern. Una altra característica de l'arc modern és la de trencar els passatges indicats legato -com en els trinos d'un adagi de Corelli o d'un preludi de Bach - cosa innecessària amb un arc barroc. El mateix Corelli deia que es havia de sostenir un arc 10 segons, el que no és tant. Amb el pont més chato, els acords podien ser tocats gairebé simultàniament, o bé arpegiats suaument com en la lira da braccio de segle XVI, la qual tenia tantes cordes que de vegades arribava a incloure un La sostingut. Un instrumentista d'avui que es troba amb una llarga successió de corxeres, per exemple, afegiria interès a la seva interpretació mitjançant una acurada elecció de les lligams, en canvi, amb l'arc antic hi ha gran diversitat de possibilitats per tal d'aconseguir un fraseig variat a través de l'articulació en les seves diferents modalitats incloent l'execució inégal [paraula francesa que significa 'desigual'].
Per finalitzar podem incursió en el tan debatut tema de l' vibrato. Hi ha evidència que, durant els segles XVI i XVII, era acceptable algun tipus de vibrato, sempre que es tractés d'una vibració molt propera a la nota, la qual no consistia en pujar i baixar el to com fem avui en dia, sinó: "el vibrar del dit tan a prop com sigui possible de la nota que està sonant, prement la corda tan suaument que no hi hagi variacions de to "(Simpson, 1659).
Aquesta "vibració tancada" [2] era un ornament així com la "vibració oberta" [3] era un trino. El vibrato que coneixem en el present va aparèixer probablement al segle XVIII, a finals del qual es feia servir sovint amb el mateix excés amb que l'usa a vegades en els nostres dies. "Hi ha executants que vibren cada nota sense excepció com si patissin tremolors "(Leopold Mozart).
El 1830, Spohr va dir que el vibrato havia de ser gairebé imperceptible a cau d'orella i aconsellava als seus alumnes que l'utilitzessin amb molt poca freqüència. Més tard, Joachim utilitzaria una línia onejava per indicar quines notes o passatges específics requerien vibrato. Molt més recentment, Oistrakh (1908-1974) demanava als seus alumnes que practiquessin el concert de Txaikovski "senza vibrato", per estimular la expressivitat obtenible només amb l'arc. De manera que hem, doncs, completat el cercle. Nosaltres donem suport a la idea de tocar el violí barroc seguint l'esmentada recomanació de Oistrakh fins a perdre el costum del vibrato automatitzat i comprendre que la ressonància [1] i expressivitat naturals de l'instrument, així com la claredat i la subtil entonació que li són pròpies, només es ressenten amb el vibrato, i que el so pur i sensual de l'instrument en si mateix no pot sinó proporcionar goig.
El problema inicial de tocar música barroca amb instruments i arcs moderns no té fàcil solució, en comptes de donar consells, preferiria comptar senzillament els camins que s'han intentat en Anglaterra. El 1953, Thurston Dart es va fer càrrec de l'orquestra de Boyd Neel-que ara passarà a anomenar-se "Philomuso of London" - i se li va ocórrer donar a totes les cordes, arcs barrocs per tal que els utilitzessin amb els seus propis instruments. Per descomptat, en un principi no tenia idea de com utilitzar-los i, a sobre, Dart, un virtuós del teclat, posseïa gran coneixement però no massa experiència en instruments d'arc. Per això, depenia molt del seu concertino, Granville Jones. Granville era un músic molt respectat per Dart i els seus companys de orquestra, no només com a instrumentista, sinó per tenir un especial instint per a la música barroca. En aquesta època, l'èxit d'aquesta idea va significar un veritable succés i una crida d'atenció sobre l'arc barroc.
Fa alguns anys, el meu marit-Francis Baines-trobant-se a càrrec del departament de Música Antiga del Royal College de Londres, va decidir crear un petit grup barroc. Als estudiants interessats se'ls aconsellava intentar l'ús dels arcs de les violes da gamba-la càtedra estava a càrrec de Francis-els quals són similars als arcs barrocs. I si insistien a utilitzar els seus propis arcs, es els demanava que toquessin prenent-los uns 5 o 8 centímetres per sobre del taló. D'aquesta manera, utilitzaven la part mitjana de l'arc i mai, mai, mai, usaven un dur "martelé" ni un picant "spiccato" (al qual anomenem "spiccato estudiantil"). Per contra, practicaven arcades lleugeres i ressonants amb dits i canell flexibles, i poc o gens de vibrato. A l'espai d'un any, els concerts (que s'efectuaven sense director) van ser tan èxit que el Col.legi va començar a comprar instruments convertits a nous-tant cordes com vents-i ara es compta amb suficients com per a una petita orquestra de cambra.
En l'actualitat la majoria dels directors londinencs insisteixen en orquestres d'instruments barrocs per a l'execució de música barroca.
NOTES
1. Ring en l'original anglès.2. Close shake en l'original anglès.
3. Open shake en l'original anglès.
Cap comentari:
Publica un comentari a l'entrada